Gay Men Only, Please!: The ‘Performance’of Gay Identity in Terrence McNally’s Love! Valour! Compassion!

Resumen

ABSTRACT: In the 70s, gay dramatists achieved what they were unable to do two decades before, since homosexuality had a negative discourse even when speaking about itself. From then on, gay identity had been winning its place in the American drama scene. Terrence McNally is one of the most acclaimed contemporary playwrights in America. His Love! Valour! Compassion! –Tony Award winner– was premiered in 1994, a roaring success both in New York and London. McNally’s target was to “tell everyone else who we are when they aren’t around” (McNally,1995). In fact, the play creates an almost hermetic environment where there is no place for anybody else. This paper analyses the way in which gay identity has become idealized in itself through drama, and particularly it focuses on how McNally manages to succeed by re-constructing gay subjectivity and produces a representation of what was once the subversive, now the normative. The stage could be used to dramatize “the contingent nature of performance and the performative nature of identity” (Hughes, 1996). From the point of view of Queer Theory, identity is always socially and discursively produced. But identity can become institutionalized any time it revolves around its own groundings or universalizes its own basements. McNally’s play builds up a false concept of queer identity since action and characters “rehearse many strategies that place it at odds with the conventions of domestic realism” (Savran, 2002). These conventions include what I particularly call the “features of contemporary gay drama.” As McNally does in other plays (Lips Together, Teeth Apart, 1993), the free exposure of male nakedness, the use of a remarkable AIDS discourse and the conventions of camp aesthetics create a special flavour in this play, so that it excludes any other readings and provokes a self-conscious assertion and celebration of gay identity. Apart from reversing the old binaries into homosexual/heterosexual, Love! Valour! Compassion! creates new categories within its discourse: white gay man / non-white gay man, young gay man / old gay man, HIV negative gay man / HIV positive gay man,... all of them contributing to privilege white, bourgeois gay subjects and placing them as the axis from which to achieve a level of visibility and power.

RESUMEN: En los años 70, los dramaturgos gays consiguieron lo que no habían podido en décadas anteriores dado que la homosexualidad había tenido un discurso negativo incluso a la hora de hablar de sí misma. Desde entonces, la identidad gay fue consiguiendo su lugar sobre los escenarios norteamericanos. Terrence McNally es uno de los más aclamados dramaturgos de la escena norteamericana contemporánea. Su obra Love! Valour! Compassion! –ganadora del Premio Tony– se estrenó en 1994 con un tremendo éxito tanto en Nueva York como en Londres. El objetivo de McNally era “contar a todo el mundo como somos cuando no hay nadie alrededor” (McNally, 1995). De hecho, la obra crea una atmósfera casi hermética donde no hay lugar para nadie más. El presente artículo analizará las formas en que la identidad gay se idealiza en sí misma a través del teatro, y en particular se centra en cómo McNally se las ingenia para tener éxito mediante la re-construcción de una subjetividad gay y para reproducir lo que una vez era subversivo, ahora como normativo. El escenario puede usarse para dramatizar “la contingente naturaleza de la representación y la naturaleza representacional de la identidad” (Hughes, 1996). Desde el punto de vista de la teoría Queer, la identidad se construye siempre de manera social y discursiva. Pero la identidad puede llegar a institucionalizarse cada vez que redunda en sus propias raíces o universaliza sus fundamentos. La obra de McNally construye un falso concepto de la identidad ya que tanto la acción como los personajes “ensayan muchas estrategias que los enfrentan con las convenciones del realismo doméstico” (Savran 2). Dichas convenciones incluyen lo que yo llamo “las características del teatro gay.” De la misma forma que McNally hace en otras obras suyas (Lips Together, Teeth Apart, 1993), la libre exhibición de la desnudez masculina, el uso de un notable discurso del SIDA y las convenciones de la estética camp crean un sabor especial en esta obra de tal forma que excluye cualquier otro tipo de lectura y provoca una asertividad consciente de la identidad gay. Aparte de invertir la antigua categoría binaria heterosexual/homosexual en homosexual/heterosexual, Love! Valour! Compassion! construye nuevas categorías dentro de su discurso (hombre gay blanco/hombre gay no blanco, hombre gay joven/hombre gay viejo, hombre gay sano/ hombre gay enfermo,...) que todas contribuyen a privilegiar a sujetos gays, blancos y burgueses y colocarlos como el eje desde el que conseguir un nivel de visibilidad y poder.