Communiars. Revista de Imagen, Artes y Educación Crítica y Social

Creatividad y procesos creativos para la invención de otros mundos posibles

2021-06-15T15:29:19+00:00

Créditos

2021-06-15T15:20:58+00:00

Communiars. Revista de Imagen, Artes y Educación Critica y Social

2021-06-15T15:19:08+00:00

Pósters del coloquio «Création – créativité: entre formation et recherche»

2021-06-15T15:15:38+00:00

Los pósters que se publican en este volumen fueron presentados en el coloquio internacional “Création – créativité: entre formation et recherche”, París, 2017: Proyecto Olma et Ofe. Libros ilustrados/vs/Ejercicios de coloriage dentro de la educación artística, de Clara Deguines Guillem, La cabaña para crear, de Rosa Vives Almansa y Museos vivos, museos inclusivos, de Matilde Rosello.

Reseña de «Arte, género y diseño en educación digital»

2021-06-15T15:10:21+00:00

El libro “Arte, género y diseño en educación digital” nos inspira en sus palabras y en su imagen de portada, en la cual juega con la polémica surgida en el arte, haciendo alusión al género y, por supuesto, utilizando con todo ello el diseño para impartir una educación digital completa.

Su autor, Ricard Huerta, Catedrático de Educación Artística en la Universidad de Valencia (UV), investiga desde el punto de vista del docente y del artista consiguiendo una perspectiva única.

En los 7 capítulos que nos ofrece el libro podemos observar una visión holística de la sociedad digital que se forma a partir de palabras transmitidas como “cápsulas de interés”. Partiendo de esa palabra de referencia se va formando el sentido completo del capítulo, a la vez que vamos construyendo la esencia de ese apartado. En sus líneas nos adentramos en la importancia de la digitalización y de cómo está cambiando nuestro día a día a un ritmo vertiginoso, especialmente en el terreno educativo.

Obtenemos en este libro un camino lleno de enseñanzas muy valiosas que van sumando experiencias. Como si de un viaje se tratara, iniciamos el recorrido con “arte y humanidades en el universo digital” en el que nos muestra la unión entre el arte y las humanidades pasando por el diseño, la libertad y la omnipresencia, en la que se reflexiona acerca de las oportunidades y de las incomodidades de la hegemonía de internet, relacionado con la conectividad y con el territorio visual.

Seguidamente nos adentramos en “poéticas de la tecnología”, capítulo que, irónicamente, empieza hablando de Amazon, para seguir con la llamada obsolescencia programada de la tecnología, las empresas y la publicidad, así como el neologismo inventado por el propio autor, la “tecnoinmersion”, a partir de la que se explican experiencias personales que nos enmarcan en la importancia de perseguir nuestras propias iniciativas.

En tercer lugar, nos centramos en “pedagogías inusuales y estéticas comunicativas” en la que se observa la transición en los proyectos y en el conocimiento generado con los teclados como herramienta ininterrumpida de nuestras vidas, y con ello de nuestro universo digital. En este punto se tiene en cuenta de un modo especial el papel de los docentes y de los entornos de investigación, aprendizaje y sostenibilidad.

Con el capítulo de “construyendo la otredad mediante experiencias analógicas y digitales” empezamos también un desarrollo del libro que cabe mencionar con especial atención ya que comienzan las visiones particulares de profesionales, en esta ocasión, partiendo de otro neologismo inventado por el autor, “transeducar”.

En “la imagen como patrimonio colectivo” se le da una importancia primordial a lo visual a partir de las investigaciones y comentarios que el autor realiza de artistas y de sus trabajos, desde Bacon hasta Warhol, pasando por Carmen Calvo, Murakami, Kahlo, Miró o Ribera.

Teniendo un autor especializado en el arte de la tipografía no podía faltar una mención a las letras, la cual encontramos en el capítulo 6 titulado “tipografías y diseño para educar en ciudadanía” donde habla incluso de las caligrafías orientales en las que la escritura es un arte. En este capítulo se pueden admirar diversos diseños y las explicaciones de los contextos que les han acompañado para su creación.

Finalmente el séptimo y último capítulo nos lleva a la reflexión a partir de la pregunta “¿cómo nos está transformando el universo digital?” empezando con la nueva concepción del tiempo en el entorno digital, dominando la inmediatez, y siguiendo con reflexiones de profesionales, compañeros y amigos que contestan y reflexionan a partir de la pregunta que da nombre a esta parte final del libro.

Con todo ello, este libro supone un material para revisar y consultar en nuestro viaje tecnológico, que recoge conceptos, experiencias y reflexiones enmarcadas en el terreno digital, que se encuentran ahora, más que nunca, de total actualidad.

Arte (auto)educación para la conciencia de uno mismo y del otro

2021-06-15T14:53:30+00:00

Después de 39 años trabajando como profesora de arte, inicialmente en la Educación Básica (escuelas públicas y privadas) y posteriormente en la Educación Superior (UFPE), he ido descubriendo la educación informal como proceso de enseñanza-aprendizaje, considerándola de gran relevancia para el aprendizaje del arte, pensando en esta posibilidad de autoeducarse y, en consecuencia, educar a los que están alrededor. Después de guiar a varios/as estudiantes que no tienen experiencia en la educación formal o incluso en la educación no formal, identifiqué ese aprendizaje. Y fue entonces cuando apareció la (auto)educación artística, la conciencia de uno mismo y del otro a través del proceso artístico. En este artículo, expongo cómo este término ha ido tomando forma en mi investigación y parte del resultado de estas reflexiones lo presenté en París, en 2017. Estas reflexiones sobre el yo en la producción artística se profundizaron en este tiempo de pandemia, entre el 2020 y el 2021, tiempo en el que los estudiantes están en casa y, por lo tanto, identifico que están inmersos en la producción artística para entenderse a sí mismos, fortalecerse y no enfermarse en este tiempo de soledad que el aislamiento, por el Covid-19, provoca. La educación artística formal en la formación de los profesores de la Universidad Federal de Pernambuco, campo que tomo como lugar de intervención, va más allá del aula, ya sea en las escuelas o en espacios no formales como ONGs, estudios y otros, tiene lugar en el propio cuerpo de estos profesores en formación. A partir de las experiencias vividas en el aula y fuera de ella, aprendemos y reaprendemos a ser quienes somos; el proceso artístico y la creatividad son elementos fundamentales para esta (auto)educación artística, autoformación y aprendizaje del arte. Con ella, elaboramos y reelaboramos las imágenes que nos constituyen. La producción de arte contaminada por las imágenes cotidianas, la contextualización, lo que se siente, se expresa, se ve, y la conciencia de uno mismo y del grupo con el que se convive... y así es como sucede el aprendizaje del arte en una (auto)educación.

La mediación cultural y su potencia creativa en los procesos colaborativos y participativos en la formación de educadores

2021-06-15T14:31:55+00:00

Este artículo presenta reflexiones sobre el trabajo colaborativo en procesos de formación de educadores donde la mediación cultural es una estrategia y potencia creativa. Se presentarán dos casos: el curso de formación de mediadores para la 32ª Bienal de Artes de São Paulo y el curso Aprendendo com Arte de la Fundación Volkswagen en colaboración con el Instituto Arte na Escola. A partir de los testimonios de algunos de los mediadores de estos proyectos se tejen algunas consideraciones y reflexiones para las cuestiones que han movido este artículo: ¿qué es la mediación cultural como estrategia educativa? ¿Cuáles son las relaciones entre la mediación y la colaboración en los procesos educativos? Y, cómo repercuten dichas relaciones en el trabajo de los mediadores y más allá de él.

Arte, creación y creatividad: entre la utilidad y la inutilidad en la epistemología occidental

2021-06-15T14:18:35+00:00

Tanto para el sentido común como para el académico, la creación y la creatividad son, respectivamente, un principio privilegiado por el campo del arte y una habilidad desarrollada principalmente por los artistas. Así, el arte se ha considerado la actividad por excelencia en la que la imaginación y la creatividad parecen inseparables. Esta concepción se construyó en su totalidad a lo largo del siglo XIX. Sin embargo, teniendo en cuenta la propia historia del arte, los artistas y teóricos no siempre han dado por sentada esta alianza entre la imaginación y la creatividad en el proceso de producción artística, porque hubo (y hay) pensadores que defienden la idea de que la creación/creación artística sería inútil en el trato del ser humano con el mundo y con la vida y, sobre todo, en la constitución del conocimiento.

El presente artículo pretende exponer cómo se han construido históricamente los conceptos relativos a la creación en el arte. Platón no reconocía en el arte de su tiempo ningún principio inventivo, sino de simulación completamente innecesario para el conocimiento, mientras que Aristóteles, por el contrario, percibía en la actitud mimética una potencialidad cognitiva común y necesaria a todos los seres humanos. En el Renacimiento, crear significaba sobre todo recrear y resignificar los principios del arte clásico, aplicándolos al contexto moderno. Sin embargo, fue en este periodo cuando el artista tomó plena conciencia de que su obra, más que la repetición técnica y estilística, requería creatividad en el planteamiento de los temas, sobre todo cuando ese tema era bien conocido. Junto con esta idea de creación, comenzó a surgir la idea del artista como genio inventivo.

Educación artística en Brasil: creatividad colectiva

2021-06-15T13:50:22+00:00

Este artículo da una gran importancia a la modernización de la educación artística y de la creatividad moderna, dando explicación a los problemas causados por la dictadura en Brasil. Se definen enfoques actuales como, por ejemplo, la cultura visual, el abordaje triangular, el interculturalismo, el ecologismo y el movimiento de Vuelta a la Creatividad.

Mateu, S. (2015). Intimisme et identité dans l’œuvre picturale de Santiago Rusiñol i Prats, peintre catalan (1861-1931). Université de Montpellier/Universitat de Barcelona: Repositório (Open access).

2021-05-20T14:26:07+00:00

Resenha

Una selección de aportaciones sobre Apps con vinculaciones a las Artes Visuales.

2021-06-19T09:45:05+00:00

La presente aportación supone, por un lado, una aproximación teórica a aplicaciones móviles, mediante una selección de publicaciones científicas en las que participan Apps con vinculaciones educativas, en concreto las relacionadas con la educación artística y visual. Los aportes seleccionados sobre Apps, se caracterizan por sus relaciones con lo artístico y visual. Así, aspectos como atención y memoria visual, resultan de interés y son recuperados por campos como la educación en salud. Otros aportes están relacionados con el patrimonio histórico artístico; la interface gráfica y la estética interactiva de relevantes Apps educativas o también la gamificación educativa aparecen como elemento incentivador en la evaluación de los estudiantes. La realidad aumentada (RA), es otra tecnología emergente que hemos tenido en cuenta mediante una publicación que aborda el análisis de software de creación de realidad aumentada con propósitos educativos. Además, exponemos según algunos autores, la relación de las Apps educativas como medio potenciador de las inteligencias múltiples. Por otro lado, aportamos una propuesta práctica que, sobre recomendaciones de uso de aplicaciones, generadas para dispositivos móviles, afines a las Artes Visuales y susceptibles de ser implementadas educativamente. Estas se focalizan en la inteligencia visual-espacial, a través de contenidos para la práctica docente.

Una selección de aportaciones sobre Apps con vinculaciones a las Artes Visuales.

2021-03-12T08:22:46+00:00

LA INVESTIGACIÓN EN EDUCACIÓN ARTÍSTICA DESDE LA PERSPECTIVA DEL INTERACCIONISMO SIMBÓLICO

2021-06-19T09:51:34+00:00

Se presenta este trabajo como un ejercicio de reflexión científica al respecto de la investigación cualitativa en el ámbito de la educación artística, que se centra en la perspectiva del interaccionismo simbólico y la intersubjetividad generada entre los individuos que constituyen una comunidad en interacción. Se parte de la premisa de una concepción del aprendizaje como proceso social y dinámico de construcción del conocimiento e institución de relaciones conceptuales. Es considerado que, durante este proceso, el sujeto inferido por sus esquemas interpretativos y sus sentimientos interviene activamente en un entorno determinado ocasionando el surgimiento de nuevas significaciones y la recreación constante de sentidos.

Se establece que el interaccionismo simbólico, como metodología de investigación que se desarrolla siguiendo un proceso heurístico encaminado a explorar los acontecimientos que tienen lugar en el ecosistema del aula, nos ofrece un marco de interpretación que posibilita analizar la perspectiva del sujeto que experiencia situaciones de aprendizaje artístico. Al tiempo que favorece el acercamiento y la comprensión de la realidad operativa definida por nuestros estudiantes.

Arte y Patrimonio: Educación, formación docente e ideología en Venezuela

2021-01-13T20:49:30+00:00

Investigadores y organismos internacionales han expresado la necesidad de incorporar la valoración de la creación artística y el patrimonio cultural al sistema educativo; como un mecanismo de formación ciudadana y un derecho humano que proporciona identidad y sentido de pertenencia. El presente artículo analiza el área Arte y Patrimonio, la es parte del diseño curricular de la educación secundaria venezolana creado en 2017, bajo la visión ideológica del gobierno. Este estudio se realizó en cuatro planos de análisis: 1. Enfoques y tendencias para abordar la Educación Artística y Educación Patrimonial en la sociedad actual; 2. La situación socioeducativa de Venezuela en un contexto de Emergencia Humanitaria Compleja en las últimas dos décadas; 3. Estructura de contenidos del área en correlación con la visión del gobierno bolivariano; 4. La formación docente en arte y patrimonio en las instituciones universitarias. Estos planos se triangularon y contrastaron para establecer su correlación dentro de la crisis que vive Venezuela.

Entre los hermanos Lumiére y TikTok.

2021-03-29T13:51:18+00:00

En un contexto social con alta disponibilidad y accesibilidad tecnológica, este artículo convoca a discutir acerca de los propósitos, contenidos, estrategias y sentidos de una educación audiovisual contemporánea para niñas y niños.

Para esto, se presentan tres perspectivas teóricas: el cine como arte, encuentros con la alteridad y la experiencia creadora; el cine como lenguaje y la alfabetización en medios audiovisuales; la creación audiovisual para la democratización de saberes, la inclusión social y la ampliación de derechos.

Frente a las estrategias de corte analítico, defensivas o centradas en aspectos tecnológicos, se propone vincular el universo audiovisual con la creación artística y con la rica tradición cultural del cine y su historia. Así se abordan: las experimentaciones lúdicas con el movimiento y la luz; los dispositivos de creación audiovisual (El Minuto Lumiére) y el cine de animación cuadro a cuadro. Finalmente, se trata la educación audiovisual como un campo en construcción y sus posibilidades para una labor docente transformadora.